Es un honor para nosotros presentar la primera exposición individual de la artista Merly Bernabe, «CHONON KATE», que se inauguró el 12 de junio de 2026 en Xapiri Ground. Nuestro primer encuentro con Merly tuvo lugar en febrero de 2022, durante un taller de fotografía que organizamos en Pucallpa, en la comunidad de Bena Jema. A lo largo de los años, hemos mantenido el contacto con ella, siendo testigos de su desarrollo como artista y emprendedora desde su base en Yarinacocha, Pucallpa, Perú. Esta exposición marca un momento especial tanto para Merly como para nosotros, una sincronía de relaciones y experiencias que ahora culmina en los telares de sanación de Merly Bernabe.

«Nada es casualidad en esta vida». Merly Bernabé nació de un sueño, a raíz de una visión que tuvo su madre cuando estaba embarazada de dos meses, mientras descansaba en un pequeño tambito cerca del lago Cumancaya, el centro del universo y el lugar donde se encuentra el árbol encantado conocido como el mítico lugar de origen de la cuarta generación del pueblo shipibo-konibo. Y, mientras soñaba, un espíritu comadre se le apareció para anunciarle que daría a luz a una niña.

Merly comenta: «...y cuando mi mamá se despertó, solo escuchó el aire, los árboles, las hojas se movían; y cuando mi padre y mi abuelo regresaron de pescar en el lago, ella le contó a mi padre lo que había soñado, y mi abuelo le dijo que era el dueño del árbol Inoa Xatan (Ayahuma) quien se le había aparecido, el cual se alzaba sobre el tambito donde ella descansaba, y que posiblemente ella también soñó de esto porque Cumancaya es un lugar encantado», el mítico pueblo que volaba.

De niña, estuvo rodeada de una familia de creadoras y mujeres sabias. El arte siempre se ha celebrado. Su madre, Martha, le enseñó la textilería y el bordado, mientras que su abuela y maestra, Amelia Panduro, quien la crió durante toda su adolescencia, le transmitió los conocimientos sobre las plantas maestras, el kené y los colores naturales con los que pintaría. Las visiones de Merly se nutren de sus caminos ancestrales, sus recuerdos de infancia y sus experiencias como mujer shipibo-konibo en la actualidad. Cuando nació, su abuela Amelia le puso el nombre de Chonon Kate, en homenaje al mito shipibo-konibo del origen de Cumancaya, que narra de una mujer que fue transformada por el árbol encantado en una golondrina para ser la guardiana, protectora y mensajera de su comunidad.

Los telares de Chonon Kate se inspiran en su tradición sanadora, al tiempo que ofrecen nuevas posibilidades para interpretar los códigos de la memoria colectiva que transmiten su profunda conexión con el espíritu de la naturaleza y sus antepasados. En sus obras se entrelazan historias y símbolos que se sitúan a medio camino entre la oralidad y la escritura, trazando las curvas, líneas y figuras del Xao Kené — una compleja red de formas simétricas que forma parte del sistema de lenguaje visual y espiritual de los shipibo-konibo, practicado principalmente por mujeres cuya visión se adquiere a través de rituales de iniciación, y cuyos patrones constituyen un diálogo continuo con los mundos natural y cósmico. En sus telares, estos paisajes Kené cobran vida gracias a pigmentos vegetales como la caoba, la ayahuasca, el achiote y la arcilla. Los hilos de bordado trazan las hojas de plantas medicinales impregnadas de la memoria de los momentos dedicados a aprender sobre ellas de las mujeres que la precedieron, y que ahora portan un conocimiento que se ha convertido en propio.

«Desde que era pequeña, yo observaba a mi abuela pintar sus telares por la noche, porque durante el día trabajaba sanando, curando con las plantas medicinales. Así que por las noches daba tiempo para dedicarse a sus telares. Como yo aún era una niña, mi abuela me mandaba a descansar temprano porque al día siguiente tenía colegio. Cuando despertaba entre medianoche, no sentía su presencia —ya que solíamos dormir una al lado de la otra—, así que me levantaba y me iba a buscarla. Desde detrás de la puerta, la veía pintar. Siempre la observaba pintar y dibujar.

«Vengo de una familia demasiado artísticamente expresiva, de la música hasta la cerámica. En mi caso, mi mamá Martha me enseñó lo que es textil desde los ocho años; me enseñó botar a mano y a coser, y a lo largo de este recorrido mi vínculo siempre ha sido más fuerte con los textiles tradicionales. Pero el trabajo que ven hoy tiene su origen en la época de la pandemia de 2020, cuando nos involucramos mucho con las plantas medicinales. Estaba muy relacionada con las plantas en este transcurso debido a las pérdidas familiares, ya fueran amigos o familias cercanas. También hemos regresado a nuestras medicinas alternativas para poder curarnos durante la pandemia. Ahí es donde empecé a expresarme un poco más en las obras que actualmente expongo en galerías como Colorimetria y ahora en Xapiri Ground».  

«El Kené es una herencia de nuestros antepasados; cuando trazas las líneas, fluyen de forma natural desde tu interior porque lo llevas en la sangre: es una expresión de nuestras raíces como pueblos originarios. El Xao Kené, en particular, es uno de mis diseños favoritos; sus resistentes patrones geométricos siempre me han cautivado. Desde que era pequeña, nos enseñan que estos son los primeros diseños, lo que hace que el Xao Kené sea aún más especial para mí. Desde el día en que mi abuela materna, Amelia Panduro, me regaló su cuaderno de años escritos con Xao Kené, dejó a propósito la mitad del cuaderno en blanco para que yo pudiera seguir dibujando e investigando estos antiguos diseños».

La verdad es que el bordado era algo imprescindible durante las vacaciones escolares, y siempre me veían bordando. Fue mi madre quien me enseñó esta técnica y a coser a mano. Mi abuela Amelia siempre estaba muy ocupada con su trabajo, que implicaba viajar mucho. Yo bordaba para dar rienda suelta a mi creatividad, para abrirme a nuevos horizontes con el kené, y ahora, en realidad, todo parece encajar. Sabes, solía ver los colores del kené en mis sueños, y siempre he soñado con la naturaleza. Además, siento que mi abuela me había abierto el camino para conectar con el kené, con las plantas.

«En cuanto a Ronin, la serpiente cósmica, es la madre de los ríos y las plantas medicinales. Mis abuelos siempre me contaban que Ronin fue el primer espíritu en aparecer en las visiones de la ayahuasca. En este caso, he pintado este tejido utilizando el mismo método de vaporización de las plantas que se emplea habitualmente en el tratamiento, y he utilizado estas hojas para crear un contraste con el resto de la pieza. También he aplicado algo de serigrafía con toques de bordado punteado a las hojas pequeñas. Esto le da un acabado más cálido y es más representativo de la curación tradicional mediante el tratamiento con vapor».

«Estos pigmentos que me dio mi abuela eran los que ella había estado guardando durante muchos años. Cuando le expliqué que iba a hacer una exposición en Xapiri Ground, me comentó que me estaba quedando atrás con mis diseños. También le dije que quería pintarlos utilizando pigmentos naturales. Le dije: “Ahora tengo que preparar tintes naturales, y me gustaría que me explicaras un poco más sobre los tintes que usabas para pintar tus telares, tal y como te veía hacer cuando era pequeña. Y además del achiote, a veces te veía pintar con ayahuasca, así como con huito y caoba”. Y me sorprendió mucho que, durante esas conversaciones una noche, apareciera ella con sus telares que había guardado por mucho tiempo y algunos materiales para pintar a mano. Y al día siguiente, empezó a buscar sus tintes en el almacén. Cuando llegué a mi estudio para verlos, con todos los materiales sobre la mesa donde trabajo, ha sido una sensación muy bonita. Realmente, como les comenté, tuve una ausencia en esa parte que no tuve tantas oportunidades de estar frente a frente sentarnos y pintar juntas».

«Quizás me perdí algunos momentos porque ella viajaba mucho, trabajaba intensamente con la medicina tradicional, y en las pocas ocasiones que pasé con ella, mi conexión con los diseños fue también una forma de asegurarme de que esas prácticas no se perdieran. Ver estos tintes también ha sido una forma de decirme a mí misma: “Mira esto, continúas tú". Es algo que realmente me hizo sentir como si ella estuviera poniendo una parte de su vida en mis manos, y tenía esa responsabilidad de continuar».

«Creo que esta exposición me ha conectado de ciertas formas: mi comunicación con mi abuela, algo que no había experimentado antes en estas conversaciones, y las nuevas ideas y diseños que han surgido. Han sido momentos que atesoraré siempre durante el resto de mi vida, y también porque, tras someterse a una operación —debido a su edad y a la naturaleza de la intervención—, ya no puede seguir con estas prácticas. Quisiera que ella también mirara estas obras mediante mí. Que también sirvan como medio de comunicación mediante estos trabajos para mostrarle al público que estas obras todavía son herencias de nuestros ancestros que abarcan muchas generaciones, y que es algo que mi abuela sigue transmitiendo a través de mí. Me siento muy afortunada de poder mostrar estas obras ahora en la galería Xapiri».

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«...las plantas medicinales nos guían en nuestro camino; son como una luz que nos acompaña en nuestro viaje». Amelia Panduro

La exposición «CHONON KATE» se podrá visitar en Xapiri Ground, en nuestra Sala 2, desde el 12 de junio de 2026 hasta el 4 de diciembre de 2026. Para cualquier consulta sobre las obras expuestas, envíanos un mensaje directamente a info@xapiriground.org.

Biografía | Merly Bernabe

Merly nació en 1993 en la comunidad shipibo-konibo de Vista Alegre de Pachitea, en el distrito de Masisea. Creció en Yarinacocha, Pucallpa. Proviene de un linaje familiar materna de artistas, músicos tradicionales y curanderos. Aprendió las técnicas textiles tradicionales desde muy joven, explorando y practicando el uso de pigmentos naturales, el bordado a mano y la elaboración de joyas junto a su madre y su abuela, Amelia Panduro, una maestra de su linaje. Estudió diseño de moda en Lima en 2012 con la idea de integrar técnicas ancestrales y contemporáneas en la ropa moderna.

Su obra se inspira en el kené, un lenguaje ancestral de diseño geométrico que conserva los cantos, las visiones y los recuerdos de su herencia shipibo-konibo. Su práctica artística refleja la reciprocidad con las madres artesanas de Pucallpa, donde la transmisión del conocimiento se entreteje entre ellas, sustentando un proceso de conocimiento comunitario que se resiste al olvido y resiste a la comercialización. Y es esta misma visión la que la ha llevado a colaborar con marcas, organizaciones y ONG que buscan dar mayor visibilidad al arte amazónico, centrándose en el respeto y la cocreación desde una perspectiva consciente y cultural.

Desde 2018, trabaja en la promoción de los textiles tradicionales e imparte talleres para el proyecto «Menin Nomabo», una iniciativa de moda sostenible y economía creativa en Perú que empodera a las mujeres artesanas shipibo-konibo. Su obra se ha expuesto en 2018 y 2023 en la galería Colorimetría Amazónica de Pucallpa. «Chonon Kate» es la primera exposición individual de sus obras de tamaño mediano en Xapiri Ground, en Cuzco (Perú).

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